Les Grammys

Photo : M. Caulfield/WireImage pour la chaîne VH-1 - New York

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Que ce soit "Tears of a Clown" ou "Tears in the Club", écoutez quelques-unes des chansons les plus sournoisement tristes d'Outkast, TLC, Avicii et bien d'autres.

En 2003, OutKast a marqué son deuxième hit n ° 1 avec "Hey Ya!" Le morceau intemporel a une énergie optimiste qui vous donne envie de le secouer comme une image polaroid – jusqu'à ce que vous saisissiez ses paroles plutôt malheureuses.

« Sommes-nous si dans le déni quand nous savons que nous ne sommes pas heureux ici ? André 3000 chante sur le deuxième couplet. La ligne qui suit peut résumer sa nature contrastée : "Vous ne voulez pas m'entendre, vous voulez juste danser."

La capacité à faire ressentir (et réagir physiquement) les auditeurs à un large éventail d'émotions fait partie du génie de l'écriture de chansons. Des airs comme "Hey Ya!" - un récit triste déguisé par une mélodie contagieuse - est un tour qui a été maîtrisé par Outkast, REM, Smokey Robinson, Robyn et bien d'autres.

Si vous avez déjà joyeusement dansé sur un rythme avant de réaliser que les paroles du dessus sont en fait une grosse déception, vous n'êtes certainement pas seul. La BBC et Apple Music appellent toutes deux ces morceaux Sad Bangers, un nom approprié pour ce qui est devenu un genre non officiel au cours du dernier demi-siècle.

À la lumière du Mois de la sensibilisation à la santé mentale en mai, GRAMMY.com a compilé une liste de 15 chansons qui vous feront à la fois ressentir vos sentiments et faire bouger votre corps.

La musique entraînante de ce classique de la Motown a été écrite par Stevie Wonder, un gagnant de 25 GRAMMY qui est habile à fabriquer des larmes qui entraîneront votre corps dans une danse joyeuse. La chanson à fond de basson enregistre à 128 battements par minute, un tempo toujours privilégié par les producteurs de musique de danse moderne. Ainsi, lorsque Smokey chante "Les larmes d'un clown / Quand il n'y a personne autour", vous seriez pardonné de vous gonfler un peu pendant que vous êtes dans le groove.

Gloria Gaynor a réinventé le tube pop de 1971 des Jackson 5 "Never Can Say Goodbye" pour l'ère disco. Les vastes arrangements de cordes et le rythme du trot ont contribué à remplir les pistes de danse et à rendre la chanson poignante sur le fait de s'accrocher à son propre amour. D'autres versions de couverture d'Isaac Hayes et des Communards capturent également l'ambiance contradictoire.

Le duo britannique Tears For Fears s'est fait connaître internationalement après avoir doté son premier hit dansant d'un refrain déprimant et dramatique qu'il est difficile de secouer même 40 ans après sa sortie : "Je trouve ça plutôt drôle, je trouve ça plutôt triste, les rêves dans lesquels je' Je meurs sont les meilleurs que j'aie jamais eus." Roland Orzabal et Curt Smith publieront plus tard des plats plus édifiants, tels que "Tout le monde veut gouverner le monde" et "Semer les graines de l'amour".

Kate Bush a eu trois virevoltes dans les charts du monde entier avec "Running Up That Hill", en commençant par sa sortie en 1985, puis en tant que chanson improbable de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d'été en 2012.

"Et si je pouvais seulement, je passerais un marché avec Dieu/Et je lui ferais changer de place/Courir sur cette route/Courir sur cette colline/Sans problème", chante-t-elle dans le chœur de la piste de course, aspirant à être plus sans souci.

Plus récemment, un placement dans le drame Netflix Choses étranges en 2022 a valu au numéro de danse larmoyant et mineur dirigé une toute nouvelle génération de fans. L'artiste anglais a récemment été nommé intronisé au Rock & Roll Hall of Fame 2023.

Le chanteur principal de Midnight Oil, Peter Garrett, a canalisé la rage qu'il ressentait face au changement climatique précoce et au manque de droits fonciers aborigènes dans l'Outback australien dans "Beds Are Burning". La puissante mélodie de danse a inondé les ondes et les pistes de danse du monde entier à la fin des années 80, atteignant la 17e place du palmarès Billboard Hot 100.

"Comment peut-on danser quand la Terre tourne ?" il chante dans le chœur entraînant. "Comment fait-on pour dormir pendant que les lits brûlent ?"

Garrett avait clairement un lien personnel avec le message ardent de la chanson : il a ensuite consacré sa vie à l'activisme environnemental en tant que dirigeant de l'Australian Conservation Foundation et est devenu membre élu de la Chambre des représentants d'Australie.

Un succès de musique house sur une femme sans domicile, "Gypsy Woman (She's Homeless)" a aidé la chanteuse du New Jersey Crystal Waters à connaître un succès international malgré un sujet quelque peu sombre. Une parodie ultérieure de la série de sketchs comiques "In Living Color" a attiré l'attention sur le contraste d'avoir une instrumentation joyeuse et optimiste avec des paroles décourageantes.

"Elle est comme toi et moi/Mais elle est sans-abri, elle est sans-abri", sonne le refrain. "Alors qu'elle se tient là à chanter pour de l'argent / La da dee la dee da…"

Cette collaboration optimiste est entre le groupe de rock REM et la chanteuse de B-52, Kate Pierson. La guitare pop jangly vous donne envie de taper des mains et de taper du pied, mais les paroles vous font vous demander si tout est vraiment aussi brillant et joyeux.

On dit que la chanson parle du massacre de la place Tiananmen en Chine, car l'expression « Shiny Happy People » est apparue sur des affiches de propagande. Pierson n'en est pas si sûr, cependant.

"Je ne peux pas imaginer que REM pensait à l'époque, Oh, nous voulons que cette chanson parle de la propagande du gouvernement chinois", a-t-elle déclaré dans une interview de 2021 avec Vulture. "C'était censé être brillant et joyeux. C'était quelque chose de positif dans l'ensemble."

"Waterfalls" a été un succès mondial pour TLC en 1994, grâce à son refrain et sa ligne de basse funky. Le rebondissement insistant de la chanson adoucit un avertissement lyrique ferme qui éloigne les gens du bord : "N'allez pas courir après les chutes d'eau/Veuillez vous en tenir aux rivières et aux lacs auxquels vous êtes habitué/Je sais que vous allez l'avoir votre beaucoup ou rien du tout/Mais je pense que tu vas trop vite."

"Nous voulions faire une chanson avec un message fort - sur les relations sexuelles non protégées, la promiscuité et le fait de traîner dans la mauvaise foule", a partagé Rozonda "Chilli" Thomas avec The Guardian en 2018. "Les messages de" Waterfalls "ont frappé à la maison. Je pense que c'est pourquoi c'est notre plus grand succès à ce jour."

André 3000 chante les relations sans amour sur un rythme de danse fantaisiste et décalé dans le temps sur ce hit du Billboard Hot 100. Le sérieux de la chanson - dont André 3000 a un jour expliqué qu'il s'agissait de "l'état des relations dans les années 2000" - s'est perdu parmi de nombreux auditeurs.*

Ses paroles malheureuses étaient masquées par le chant énergique d'André, ainsi que par le groove entraînant de la guitare et du clavier, qui double contagieusement de vitesse à la fin de tous les quatre temps. Même Outkast eux-mêmes n'ont pu s'empêcher de reconnaître la juxtaposition de la chanson dans un tweet de 2021.

Un avant-dernier exemple d'un banger triste est "Dancing On My Own" de la pop star suédoise Robyn. La chanson triste – un top 10 des succès dans plusieurs pays – vous ordonne de secouer vos affaires, tout en vous imaginant en train de regarder votre ex passer au club. La couverture de Calum Scott en 2016 fait vraiment ressortir la tristesse qui peut être obscurcie par la version uptempo de Robyn.

"J'ai dit, je suis dans le coin, je te regarde l'embrasser, oh non/Et je suis juste là, pourquoi tu ne me vois pas ?" Robyn chante dans le chœur. "Et je donne tout ce que je peux / Mais je ne suis pas la fille que tu ramènes à la maison."

amusant. (le trio de Jack Antonoff, Andrew Dost et Nate Ruess) est surtout connu pour la ballade pop-rock "We Are Young", qui parle de l'enthousiasme sans relâche positif des jeunes en ville. La chanson titre de leur album de 2012 Some Nights (qui contient "We Are Young") est une chanson beaucoup plus dansante, mais plus triste.

"Quelles sont les valeurs que je défends?" demande Ruess alors que vos pieds se déplacent au rythme du rythme. "La plupart des nuits, je ne sais plus."

Avicii a collaboré avec la chanteuse pop soul Aloe Blacc pour ce top mondial qui est considéré comme l'un des meilleurs hymnes d'EDM. Le rythme claquant masque les paroles tristes et auto-réfléchissantes du morceau sur le fait d'être perdu.

La mort par suicide du DJ/producteur suédois en 2018 ajoute un air encore plus lourd au refrain passionné de Blacc : "Alors réveille-moi quand tout sera fini/Quand je serai plus sage et que je serai plus vieux/Tout ce temps, je me trouvais, et je /Je ne savais pas que j'étais perdu."

"Never Be Like You" n'est pas la coupe la plus rapide de la discographie riche en basses du DJ/producteur australien Flume, mais le morceau vaporeux a toujours une bosse irrésistible. La chanteuse canadienne Kai supplie son amant de ne pas la quitter (« Comment puis-je te donner envie de rester ? »), mais son ton charmant parvient toujours à garder la chanson pleine d'espoir.

La sélection la plus manifeste de toute cette liste est peut-être "Tears In The Club", qui trouve des brindilles FKA et The Weeknd se rendant sur la piste de danse pour se débarrasser des vestiges d'une mauvaise relation. Le chanteur / danseur a été franc sur le fait d'être dans une relation abusive, et la chanson est un bop discret soutenu par des chants désespérés tels que "Je pourrais mourir sur le rythme, mon amour".

Près de 30 ans après que le DJ/producteur Todd Terry ait aidé à présenter Everything But the Girl à la communauté internationale de la musique dance avec un remix de "Missing", le duo s'est penché sur son côté électronique sur "Nothing Left to Lose". Un single de leur premier album en 24 ans, Fuse, "Nothing Left to Lose" présente une ligne de basse électronique étouffante qui contraste avec le désir impuissant de la chanson.

"J'ai besoin d'une peau plus épaisse/Cette douleur continue de me pénétrer/Dis-moi quoi faire/Parce que je t'ai toujours écouté", chante Tracy Thorne du couple dans le couplet d'ouverture. Plus tard, elle fait une demande qui résume bien les conflits d'un banger triste par excellence : "Embrasse-moi pendant que le monde se décompose."

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La musique est un outil créatif de libération, les communautés queer trouvant un sens – manifeste ou non – dans les chansons d'une myriade d'artistes. GRAMMY.com déballe la longue histoire des hymnes queer, d'un cabaret des années 1920 au sommet des charts.

Lorsqu'une jeune Judy Garland a chanté "Somewhere Over the Rainbow" en 1939, rêvant d'une vie plus excitante, joyeuse et colorée ailleurs, peu de gens auraient pu savoir que ses paroles allaient inspirer des générations de personnes queer qui ont trouvé une lueur de liberté là où "les rêves que vous osez rêver se réalisent vraiment."

Pendant des décennies, voire plus, la musique a continué à servir d'outil créatif de libération, les communautés queer trouvant un sens - manifeste ou non - dans des chansons écrites directement pour elles ou appropriées à partir du travail d'artistes (apparemment) hétéros. Souvent avec le temps, mais parfois immédiatement, une telle musique devient un hymne queer. Alors que la fierté de son identité a souvent été un thème central, ces hymnes ont également abordé le traumatisme communautaire - de l'épidémie de VIH/sida à la discrimination qui perdure à ce jour.

Alors que les messages et les styles musicaux se sont adaptés avec le temps, ce qui est le plus puissant dans l'évolution des hymnes queer, c'est à quel point ils sont devenus plus ouvertement gays. De plus en plus d'artistes sont capables d'exprimer sans vergogne leur identité, y compris dans des genres traditionnellement réticents ou hostiles aux minorités. Retracer l'histoire de l'hymne queer donne l'occasion de voir jusqu'où la communauté LGBTQ+ est arrivée et comment l'expression créative peut être utilisée pour lutter pour des droits qui sont toujours menacés.

Appuyez sur lecture sur la liste de lecture Spotify ci-dessous, ou visitez Apple Music, Pandora ou Amazon Music pour une liste de lecture d'accompagnement d'hymnes queer.

Dans Glitter Up the Dark: How Pop Music Broke the Binary, l'auteur musical Sasha Geffen explore l'histoire des hymnes queer d'hier et d'aujourd'hui.

"Je pense qu'il est important d'honorer ces ancêtres dans le récit queer et de souligner que les choses ne vont pas toujours de pire en mieux", a déclaré Geffen à GRAMMY.com. "En ce moment, dans notre moment historique actuel, où nous voyons beaucoup de rapprochement et cela peut être vraiment effrayant, mais il y a toujours eu cette pulsation et il y a toujours eu la survie."

Un mouvement musical mondial

En fait, "Somewhere Over the Rainbow" n'était même pas le premier hymne gay. L'un des premiers est le numéro de cabaret allemand de 1920 "Das lila Lied" ("The Lavender Song"), un produit clair de la liberté sexuelle relative de la République de Weimar. Écrite à l'époque où le sexologue Magnus Hirschfeld organisait la première conférence internationale pour la réforme sexuelle, la chanson reconnaissait les luttes auxquelles les personnes homosexuelles étaient confrontées tout en déclarant : "et la plupart d'entre nous sont toujours fiers/d'être coupés d'un tissu différent !"

En Europe, les comédies musicales ont fourni des occasions sournoises d'explorer des thèmes queer, notamment le travail du dramaturge anglais Noël Coward, dont la sexualité cachée s'exprimait dans des chansons d'amour non partagées telles que "Mad About the Boy" et "If Love Were All". Aux États-Unis, les femmes noires ont défini bon nombre de ces premiers hymnes queer, notamment Ma Rainey et Billie Holiday, avec "Prove It on Me Blues" et "Easy Living", respectivement. Comme le dit Geffen, leur musique était "ludique et torride et elle se vendait". "

Holiday et Rainey, ainsi que son prodige, Bessie Smith, étaient tous bisexuels – une identité qui, avec leur race et leur sexe, menaçait leur carrière professionnelle. Ils ont été confrontés non seulement à l'ostracisme social, mais également à des menaces juridiques en raison de leur sexualité. Pourtant, ces pionniers expriment toujours ouvertement leurs émotions, comme Ma Rainey chante sur « Prove It on Me Blues » : « Je suis sorti hier soir avec une foule de mes amis » / Ça devait être des femmes, parce que je n'aime pas pas d'hommes / Portez mes vêtements comme un fan / Parlez aux filles comme n'importe quel vieil homme."

Les années de guerre et les conservateurs sociaux des années 1950 n'ont pas vu beaucoup d'hymnes gays durables, car les musiciens blancs masculins se sont appropriés et ont rendu célèbre le son rock and roll rebelle des musiciens noirs. Cela était clair dans des chansons comme "Tutti Frutti" de Little Richard (avec des nuances sexuelles claires) et "Hound Dog" de Big Mamma Thornton, qui portait des vêtements pour hommes et a été appréciée pour représenter la queerness noire.

Au cours de la révolution sexuelle du milieu du XXe siècle, les femmes noires ont continué à produire certaines des musiques les plus innovantes. Nina Simone a changé la préférence de genre dans sa version pétillante de "My Baby Just Cares for Me" – de Lana Turner à… Liberace – et Diana Ross a livré une version sensuelle de "Ain't No Mountain High Enough", montrant les profondeurs que quelqu'un est prêt à aller pour leur amant.

Pourtant, il est impossible d'inclure une seule chanson de la diva disco dans un recueil d'hymnes queer, explicites ou implicites. L'inspiration pour "I'm Coming Out" des années 1980 est en fait venue d'un bar gay de New York : le célèbre auteur-compositeur Nile Rodgers est allé aux toilettes et a remarqué un groupe d'imitateurs de Ross. Comme Rodgers l'a dit à Billboard en 2011, "J'ai couru dehors et j'ai appelé Bernard [Edwards, son collaborateur fréquent] et je lui en ai parlé et j'ai dit:" Et si nous reconnaissions l'alignement vraiment cool de Diana Ross avec sa base de fans dans la communauté gay? Alors on s'est assis et on a écrit : 'Je fais mon coming out.'"

Au cours de cette période de féminisme de la deuxième vague, des chansons d'autonomisation des femmes ont également été adaptées par la communauté queer, comme "You Don't Own Me" de Lesley Gore (Gore elle-même est devenue lesbienne en 2005). Certains actes masculins embrassaient tout ce qui défiait les normes sociales, que ce soit autour de l'identité ou de la sexualité (bien que certaines de leurs représentations de la race et du genre puissent être remises en question) : "Lola" des Kinks, "Walk on the Wild Side" de Lou Reed et "Rebel Rebel" de David Bowie, dont le glam rock a repoussé les frontières en termes de présentation des genres.

Plus que tout autre genre avant lui, l'arrivée du disco dans les années 1970 a fourni une bande-son à la communauté LGBTQ+. En fait, on pourrait dire que le disco a été le premier genre créé pour et par les gens queer, avec des morceaux à rotation élevée comme "I Feel Love" de Donna Summer, "I'm Every Woman" de Chaka Khan ou même "Dancing Queen" d'ABBA. ." Mais l'hymne queer le plus puissant était sans doute "I Will Survive" de Gloria Gaynor, un hommage éhonté au dépassement contre vents et marées que l'on peut encore entendre exploser depuis les chars Pride aujourd'hui.

Dans un sens peut-être moins nuancé mais tout aussi percutant à cette époque, les Village People ont également joué avec les fantasmes sexuels homosexuels à la fois dans leur apparence et leur musique, notamment avec leurs chansons "Macho Man" et "YMCA". l'influence des Village People dans l'introduction de la vie queer dans le courant dominant ne peut être sous-estimée.

Les artistes ouvertement queer ont également commencé à s'affirmer plus que jamais dans les années 1980 et l'essor de la synth pop, trouvant des fans parmi les communautés hétéros et queer, souvent d'une manière "vous savez si vous savez", selon Geffen. Le son provenant de groupes britanniques comme Culture Club ("Do You Really Want to Hurt Me"), Soft Cell ("Tainted Love") ou Bronski Beat ("Smalltown Boy") était indissociable de la queerness ; un rythme rapide et un courant thématique sous-jacent ont traversé plusieurs des plus grandes chansons pop de l'époque. Ces artistes "parlaient d'une expérience qui était très spécifique à la communauté queer - cette idée de découvrir qui vous êtes et de quitter la maison et de ne pas savoir où vous allez vous retrouver et de faire confiance à quelque chose là-bas pourrait être mieux que quoi vous avez », note Geffen.

Toujours dans les années 1980, les hymnes queer ont également commencé à proliférer au-delà de la musique de langue anglaise, prouvant que le désir d'exprimer l'homosexualité à travers la musique était universel. Cela a notamment été vu dans "Libertine" et "Sans contrefaçon" de l'artiste franco-canadienne Mylène Farmer sur l'androgynie. Et dans le monde hispanophone, il y avait "¿A quién le importa?" d'Alaska y Dinarama. qui se traduit par "qui s'en soucie?"

Hymnes secoués par le traumatisme

Mais cette ouverture relative en termes d'acceptation gay dans la culture populaire a été rapidement ébranlée par la crise du VIH/sida, lorsque les hymnes queer ont pris un rôle politique encore plus fort. Qu'il s'agisse de "I Want to Break Free" ou "Somebody to Love" de Queen, de "Relax" de Frankie Goes to Hollywood ou de "You Make Me Feel (Mighty Real)" de Sylvester, ces hymnes n'hésitaient pas à exprimer des sentiments romantiques et le désir sexuel, ainsi que lutter contre la violence, le silence et les stéréotypes.

Connu pour sa voix de fausset, Sylvester était l'une des principales voix de la communauté queer croissante de San Francisco avant de décéder de complications liées au sida en 1988. Sa chanson "Stars" est l'un des hymnes queer préférés de Geffen, en particulier pour la façon dont il a transmis à la fois le la joie et les difficultés de l'expérience queer.

"Il avait une voix si puissante et un contrôle puissant sur les subtilités de son utilisation", poursuit Geffen. "Il y avait ce genre de mélancolie que j'entends parfois de célébrer le monde dans lequel vous vous trouvez, ce genre de sous-monde à l'intérieur du monde où ces formes de relations sont possibles."

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Les artistes féminines – dont beaucoup étaient des alliées ouvertes de la communauté queer – ont également abordé la dévastation de l'épidémie. "Waterfalls" de TLC (un récit édifiant avec une note d'espoir pour "croire en soi") et "True Colors" de Cyndi Lauper, une chanson torche pour éclairer le chemin dans les moments les plus sombres. Cependant, cette relation d'artistes apparemment hétéros avec la communauté queer n'était pas sans défauts. Madonna est devenue une icône queer pour sa série de tubes avant de lancer les années 1990 avec "Vogue", un morceau qui a amené la culture de la salle de bal queer à un public grand public. Alors que Madonna célébrait clairement cette forme d'art et accordait une certaine reconnaissance à ceux qui l'avaient créée, elle gagnait également de l'argent grâce au talent et à la créativité de communautés de couleur queer sous-reconnues.

En dehors de la musique grand public, les années 1990 ont vu des artistes féminines queer affirmer leur identité, accompagnées par le mouvement riot grrrl et Lilith Fair. Celles-ci allaient de "Closer to Fine" réfléchi des Indigo Girls à "Constant Craving" de kd lang en passant par "Rebel Girl" de Bikini Kill, "la reine de mon monde".

Le son d'un nouveau millénaire

Le tournant du millénaire a marqué le début d'une acceptation plus affirmée, avec des hymnes venant de sources parfois inattendues : « Beautiful » de Christina Aguilera, « Raise Your Glass » de P!nk, « Dancing on My Own » de Robyn ou « Same Love » de Macklemore. ." Alors que la lutte politique pour l'égalité du mariage gagnait rapidement du terrain aux États-Unis, les artistes pop ont commencé à répondre avec des messages ouvertement pro-LGBTQAI+ dans leur musique : Lady Gaga a lancé les années 2010 avec "Born This Way", sur le thème qu'il n'y a rien anormal d'être queer.

Plus récemment, les hymnes ont perdu tout besoin de cacher leur homosexualité à travers des messages cachés ou des insinuations. Les artistes fièrement queer créent clairement de la musique pour leurs communautés, et au-delà : pensez à l'ode au plaisir féminin "Pynk" de Janelle Monae, "Queen" brûlant de Perfume Genius ou "Girls Like Girls" de Hayley Kiyoko, dont le titre dit tout (et qui a été suivi avec l'hymne plus joyeux "pour les filles").

Peut-être plus particulièrement, les genres qui ont été plus lents à adopter les artistes LGBTQAI + ont également eu leur part d'hymnes. Le rap en particulier a embrassé des artistes queer de Cupcakke ("LGBT") à Frank Ocean ("Channel") en passant par Leikeli47 ("Attitude") et n'importe quoi de Mykki Blanco. Cela a également été vrai dans le pays : voir "Loving Her" de Katie Pruitt, "Follow Your Arrow" de Kacey Musgraves ou Orville Peck et son interprétation de "Smalltown Boy". Cet hommage à l'histoire et aux pionniers queer définit de nombreux hymnes queer modernes, peut-être plus fortement dans la Renaissance de Beyoncé.

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Alors que toute sa discographie regorge de bangers entrés dans le panthéon queer, son dernier album Renaissance est une ode à la tradition queer et black du disco et de la house. Des morceaux comme "COSY", une étreinte d'être "à l'aise dans ma peau", sont rapidement entrés en rotation dans les clubs du monde entier. Beyoncé a centré des artistes queer comme Big Freedia, la reine du rebond de la Nouvelle-Orléans qui a écrit un hymne puissant dans "Chasing Rainbows" en 2020 avec Kesha (qui a elle-même nommé un album Rainbow et sorti "We R Who We R" après une série de suicides de adolescents gays à travers les États-Unis).

Plus important encore, les chansons sur l'expérience queer définissent désormais la carrière de nombreux artistes et leur attirent un large public sans précédent. C'est le cas de MUNA avec "Silk Chiffon", de King Princess avec "1950", de Troy Sivan avec "Bloom" ou encore de Sam Smith et Kim Petras avec "Unholy". l'industrie et a fait d'elle la première personne ouvertement trans à remporter un GRAMMY Award.

Cette tendance pourrait être plus clairement visible dans la montée en puissance de Little Nas X, qui a grandi en maîtrisant le langage et les codes d'Internet avant de percer et de sortir assez rapidement. Geffen souligne comment il utilise le choc pour attirer l'attention et repousser les haineux homophobes, comme donner à Satan un tour de danse dans le clip "MONTERO (Call Me By Your Name)".

"Je considère Little Nas X comme un troll qui s'est frayé un chemin jusqu'au sommet", dit Geffen, "sachant à quoi les gens répondront positivement et ce qui les fera chier."

À l'opposé de cette augmentation des hymnes ouvertement queer et des représentations de personnes queer dans les médias, il y a une réalité politique aiguë : les lois anti-trans prolifèrent dans de nombreux États et les législateurs tentent de limiter les droits des personnes LGBTQ+, menaçant une grande partie de l'élan de libération queer.

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Ce moment de l'histoire sociale et politique met en évidence l'importance d'un hymne, qui sert de forme de célébration et de signalement d'allégeance, ainsi que de baume contre la répression et de motivation pour continuer le combat.

Bien sûr, cette liste d'hymnes queer est loin d'être exhaustive. Des artistes aussi divers que les B-52, Eurythmics, les Pet Shop Boys, Elton John, Cher, George Michael, RuPaul, Mariah Carey, Janet Jackson, les Smith, Kylie Minogue, Brandi Carlile, Carley Rae Jepsen, Sufjan Stevens, SOPHIE, Taylor Swift et bien d'autres ont sorti de la musique qui a profondément marqué la communauté queer.

Et vraiment, n'importe quelle chanson peut être un hymne queer si elle parle à quelqu'un à un niveau personnel, procurant un sentiment de connexion et d'appartenance. Comme le note Geffen, la magie se produit lorsqu'un morceau de musique crée un moment de célébration collective ou de bonheur momentané.

"Il n'y a rien d'autre comme ce sentiment de libération physique d'avoir une chanson qui vous traverse alors qu'elle traverse également des tonnes d'autres personnes qui sont dans la foule avec vous", ont-ils déclaré, soulignant le pouvoir de cette anxiété de savoir si vous correspondez en se dissolvant: "Cela ouvre une fenêtre sur ce qui est possible, dans un monde au-delà de celui dans lequel nous nous trouvons en ce moment."

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Photo : Ron Galella/Collection Ron Galella via Getty Images

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Le dernier documentaire d'A&E/Lifetime, "TLC Forever", présente des images inédites et des histoires inédites sur l'héritage emblématique du groupe, de leurs tribulations à leurs triomphes.

Lorsque Tionne "T-Boz" Watkins, Lisa "Left-Eye" Lopes et Rozanda "Chilli" Thomas ont uni leurs forces en tant que TLC, le paysage des groupes de filles a changé à jamais.

Au cours de leur course exaltante, TLC a battu des records, établi de nouvelles tendances de style et mis en lumière des questions importantes telles que le VIH / SIDA et l'image corporelle. Leur son unique et leur volonté de prendre des risques ont contribué à consolider leur statut de l'un des groupes féminins les plus vendus de tous les temps. Et maintenant, leur héritage est immortalisé sur film.

TLC Forever, un nouveau documentaire présenté en première sur A&E/Lifetime le 3 juin, plonge dans les hauts et les bas drastiques des 30 ans de carrière du trio. Parmi leurs nombreuses réalisations incroyables, il y a eu aussi beaucoup de luttes, y compris la faillite, des bagarres qui ont fait la une des journaux et des tragédies. Comme Watkins l'a déclaré en plaisantant aux GRAMMY de 1996, "TLC laissera cette entreprise se souvenir de beaucoup de choses."

Le film de près de 120 minutes suit le trio musical emblématique de leur première rencontre à la mort prématurée de Lopes en 2002, et suit Watkins et Thomas alors qu'ils se préparent à se produire au Festival de Glastonbury 2022. Ce sera particulièrement spécial pour les fans, car le doc voit Watkins et Thomas regarder les images rares avec le manager de longue date Bill Diggins en temps réel.

Que vous connaissiez l'histoire de TLC ou que vous souhaitiez en savoir plus, TLC Forever vaut le détour. Ci-dessous, jetez un œil à cinq points clés du documentaire.

Au printemps 1994 – à peine cinq mois avant la chute du best-seller CrazySexyCool de TLC – Lopes a cherché à se venger de son petit ami de l'époque, l'ancien receveur des Falcons d'Atlanta Andre Rison. Après l'avoir prétendument surpris en train de tricher, Lopes a mis le feu à une paire de ses baskets dans une baignoire de son manoir à deux étages, qui s'est ensuite propagée au reste de la maison.

Accusée d'incendie criminel, placée en probation de cinq ans et condamnée à une amende de 10 000 dollars, la rappeuse alors âgée de 23 ans n'a jamais été en mesure d'ébranler sa réputation "folle" provoquée par l'incident. Cependant, TLC Forever découvre des détails qui donnent à ses actions plus de contexte.

Dans le document, Thomas décrit la relation de Lopes et Rison comme "toxique", avant d'ajouter que "il se passait toujours quelque chose". Des mois après avoir commencé à sortir ensemble, Lopes et Rison se sont disputés dans un parking d'épicerie, où Rison l'aurait agressée et aurait tiré un coup de semonce pour empêcher les passants de s'impliquer.

"Je me sentais tellement mal pour elle, parce que quand je suis entré dans la pièce, je me souviens juste de l'expression de son visage", a déclaré Watkins dans le film, faisant référence à l'incendie de la maison. "Ses ongles étaient cassés, elle était écorchée, contusionnée et saignait, et le monde entier la regardait comme : 'Qu'as-tu fait ?' Et tout le monde n'a pas répondu comme ils auraient dû."

Comme de nombreux fans le savent, Lopes avait protesté contre le premier single "Creep" de CrazySexyCool en raison de ses paroles faisant la promotion de l'infidélité (en particulier au milieu de l'épidémie de sida en cours, qui a fait près de 42 000 morts rien qu'aux États-Unis la même année). De plus, le top du classement allait à l'encontre de ce pour quoi TLC était connu : porter des préservatifs sur des vêtements amples comme moyen de défendre des rapports sexuels protégés.

Bien que la chanson ait en fait été inspirée par les propres problèmes relationnels de Watkins, Lopes craignait que Rison pense qu'elle le trompait, déclenchant peut-être davantage d'abus présumés au sein de leur relation tumultueuse. Ainsi, pour le remix, elle a écrit un couplet avertissant les auditeurs des conséquences du fluage : "Creepin' peut provoquer un comportement hystérique dans l'esprit/ Mettez votre vie dans une impasse et dans le temps/ Faites de vous la victime d'un crime passionné", rappe-t-elle .

Au début de la romance de longue date de Thomas avec le producteur de LaFace Dallas Austin, elle est tombée enceinte avant le premier album du trio, Oooooooohhh... On the TLC Tip, qui a mis en péril son avenir avec le groupe. Ne recevant pas beaucoup de soutien d'Austin et craignant que le manager de l'époque, Perri "Pebbles" Reid, ne le découvre, Thomas a eu un avortement à contrecœur à l'âge de 20 ans, qualifiant cela d '"expérience horrible" dans le documentaire.

"Après cela, j'ai probablement vécu une sorte de dépression. Je ne pouvais pas me pardonner", dit-elle. "J'ai juste ressenti cette énorme culpabilité pour ce que j'avais fait, et cette culpabilité de ne pas avoir été correctement traitée est ce qui m'a fait m'attacher davantage à Dallas."

En 1997, Thomas et Austin ont eu un fils nommé Tron, qui a agi à bien des égards comme une fermeture pour le chanteur. "Une fois que j'ai eu Tron, cela a vraiment mis en perspective la relation que j'avais avec Dallas. Il était clair que ce n'était pas une relation fonctionnelle, saine et aimante", admet-elle. Ils se sont séparés quelques années plus tard, travaillant toujours ensemble de manière créative et coparentalité de leur fils, qui a maintenant 26 ans.

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Bien que CrazySexyCool ait vendu 15 millions d'exemplaires dans le monde, engendrant deux succès n ° 1 sur le Billboard Hot 100 et remportant deux GRAMMY, TLC a déposé le bilan du chapitre 11 en 1995 avant de s'arrêter pendant cinq ans, prolongé par des tensions au sein du groupe. Dans les mois qui ont précédé le troisième effort en studio de TLC, FanMail - dont le titre a été inventé par Lopes et dédié aux fans - Lopes a exprimé son mécontentement à l'égard du projet après qu'une poignée de ses chansons aient été rejetées par Dallas Austin.

"Je ne peux pas supporter à 100% ce projet TLC et la musique qui est censée me représenter", a déclaré Lopes dans une interview de 1999 avec Vibe, qui a alimenté les rumeurs d'une rupture. "Ce sera ma dernière interview jusqu'à ce que je puisse parler librement de la vérité et me présenter sur mon projet solo."

À peu près à la même époque, Lopes a défié Watkins et Thomas d'enregistrer des albums solo et a offert un prix de 1,5 million de dollars au membre qui vendait le plus d'exemplaires. Les raps de Lopes ne peuvent être entendus que sur trois des 17 pistes de FanMail – et bien qu'une grande partie de son absence soit certainement due à un conflit interne, Watkins et Thomas ont confirmé que là où Lopes était créative "ne correspondait tout simplement pas" à ce qu'Austin produisait. Au moment du décès de Lopes, elle participait à une retraite spirituelle de 30 jours au Honduras, dont certaines parties ont été enregistrées et publiées en 2007 dans le documentaire posthume The Last Days of Left Eye.

En 2006, Watkins a combattu en privé un neurinome acoustique, une tumeur cérébrale potentiellement mortelle qui reposait sur ses nerfs faciaux, auditifs et d'équilibre. La femme alors âgée de 36 ans a subi une intervention chirurgicale pour retirer la tumeur, un risque exacerbé par ses complications continues de l'anémie falciforme depuis son enfance.

"[Le médecin] a dit qu'au cas où quelque chose tournerait mal et que je ne puisse sauver ni votre ouïe, ni votre visage, ni votre équilibre, donnez-moi l'ordre de vous sauver vous-même", a-t-elle déclaré dans le doc. "Cette industrie concerne votre visage, votre voix, votre danse - c'est tout mon travail. Alors, ils ont pris mon équilibre, j'ai sauvé ma face pour la plupart, [et] je n'ai perdu que trois pour cent [de mon audition] à la temps."

Watkins a ajouté qu'elle s'était sentie déprimée et peu attrayante pendant de nombreuses années après l'opération, jusqu'à ce que sa mère change de point de vue. "Je me souviens d'avoir regardé dans le miroir un jour et j'ai commencé à pleurer, et ma mère a dit:" Non ". Elle a dit : "Écoute, c'est juste ton retour à la normale. Ce n'est pas comme ça que tu vas rester, ce n'est pas comme ça que tu vas être. Ce n'est que ton retour à la façon dont tu as commencé"", se souvient-elle. . "J'ai dit:" Ouais, d'accord, si je le regarde de cette façon, alors tout ce que j'ai à faire est de survivre à ça et de m'en sortir et je peux être cool. vais survivre à ça, je vais battre ça."

Maintenant âgé de 53 ans, Watkins est toujours aussi fort. Cependant, le film donne aux téléspectateurs un aperçu plus approfondi de la quantité de préparation nécessaire pour qu'elle puisse jouer sans compromettre sa santé. Avant et après avoir atteint la scène, Watkins doit recevoir suffisamment de liquides et d'oxygène pour maintenir l'inflammation au minimum.

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Watkins et Thomas discutent de l'immense pression qu'ils ont subie de la part de leur label pour aller de l'avant sans Lopes, décédée tragiquement à 30 ans dans un accident de voiture lors de son voyage au Honduras. "Après le décès de Lisa, la maison de disques a dit qu'ils allaient sortir un [album] des plus grands succès si nous ne terminions pas [3D], alors nous nous sommes sentis un peu obligés de retourner en studio", a déclaré Watkins dans TLC Forever. "On nous a donné un ultimatum." Thomas a ajouté: "Nous avions une vision tunnel, finissons-en."

Bien qu'il soit devenu platine, la 3D a été considérée comme un échec commercial selon les normes de TLC, se vendant à moins de 700 000 exemplaires et son premier single, "Girl Talk", culminant à la 28e place du Hot 100. Après leur première performance live sans Lopes au Z100's annuel Concert de Zootopia en 2003, l'industrie de la musique les a apparemment annulés – mais Thomas a dit qu'elle n'avait jamais senti que c'était vraiment fini. Ce n'est que lors de leur concert VH1 Super Bowl Blitz en 2014 que les promoteurs ont commencé à tendre la main, ce qui a finalement conduit à la plus grande performance de leur carrière extraordinaire : monter sur scène à Glastonbury l'année dernière.

"La plus grande récompense, c'est quand vous n'avez plus la chanson n°1 et que vous pouvez vendre vos tournées", déclare Thomas à la fin du film. "Cela signifie que vous avez un travail formidable qui peut résister à l'épreuve du temps, et le temps nous a dit que nous avons bien fait. Nous avons bien fait."

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Photo : Derek Blanks

nouvelles

Fraîchement sorti du gala MusiCares 2023 Persons Of The Year qui l'a honoré ainsi que Berry Gordy, Smokey Robinson est sorti avec son premier album de nouveau matériel en 14 ans. 'Gasms' concerne tout ce qui illumine votre cerveau.

Living Legends est une série qui met en lumière des icônes de la musique toujours aussi fortes aujourd'hui. Cette semaine, GRAMMY.com présente une interview avec Miracle Smokey Robinson, lauréat du GRAMMY et leader, dont les contributions au canon musical américain – principalement via Motown – ne peuvent être surestimées. En 2023, il a été honoré aux côtés du fondateur de Motown, Berry Gordy, lors de l'événement MusiCares Persons Of The Year. Le nouvel album de Robinson, Gasms, est disponible dès maintenant.

Smokey Robinson écoute tout le monde. Si vous êtes à la radio, prétend-il, il vous a entendu. Peu importe votre âge ou votre genre – comme l'homme de 83 ans est toujours sur le ring, il a l'intention de garder ses gants levés. "Je ne suis pas un auditeur musical avec des préjugés", a-t-il déclaré à GRAMMY.com. "Je dois rivaliser avec eux. Je dois savoir ce qu'ils font."

Au milieu d'une question sur qui, en particulier, il apprécie le nouveau garde, la conduite de son représentant à travers un tunnel met brusquement fin à l'appel. Mais l'affirmation de la star de Miracles et Motown se vérifie, en partie grâce à son nouvel album, Gasms, son premier album de nouveau matériel original depuis 2009.

Sur des temps forts chauds et dérangés comme "I Wanna Know Your Body", "Roll Around" et "Beside You", le cadeau de Dieu aux yeux verts - pour emprunter une expression - prouve que ses capacités d'écriture, de voix et de performance restent intactes.

"Je pense que vous pouvez le mettre et être avec la personne avec qui vous voulez être et simplement vous détendre et profiter les uns des autres", a déclaré Robinson à l'AP. "C'est plus une idée d'amour."

On parle beaucoup de Gasms. Bien sûr, c'est à dessein, et Robinson est d'accord avec le titre de l'album subsumant la conversation. (Interrogé sur la thèse centrale du disque lors de sa conception, il répond par un mot : "Controverse".)

Mais selon l'affirmation de Robinson, Gasms fait référence à tout ce qui vous fait vous sentir bien, et la musique à grand nombre de threads signifie bien plus qu'un homme excité est excité. C'est un régal d'entendre que le gagnant du GRAMMY responsable d'innombrables classiques qui changent la culture – qui existe depuis assez longtemps pour avoir rencontré les Beatles lorsqu'ils jouaient dans les sous-sols – est toujours une force.

Avec le gala MusiCares Person Of The Year 2023, qui a honoré conjointement Robinson et le fondateur de Motown, Berry Gordy, dans le rétroviseur, GRAMMY.com s'est assis avec l'homme lui-même sur son passé, son présent et son avenir. Les résultats pourraient vous donner un… eh bien, vous savez.

Cette interview a été modifiée pour plus de clarté.

Qu'avez-vous ressenti d'être honoré avec votre meilleur ami, Berry Gordy, au gala MusiCares Persons Of The Year 2023 ?

C'était une expérience merveilleuse. Ils n'avaient jamais honoré deux personnes en même temps, et pour moi, être honoré avec mon meilleur ami comme ça, c'était une soirée extraordinaire.

Lorsque vous vous êtes rencontrés il y a toutes ces années, y avait-il une idée que votre relation s'étendrait si loin dans le futur - et aurait un impact sur la planète à cette échelle ?

Tu ne peux rien dire sur les gens et les relations, mec. Nous venons de nouer une relation. Et nous étions bons au tout début, et ça a juste duré. Je ne pouvais pas être avec lui alors - ou lui avec moi - et dire: "Oh, eh bien, ça va durer éternellement", comme ça l'a fait, parce qu'on ne sait jamais. Heureusement, pour nous, c'est le cas, et nous sommes toujours les meilleurs amis.

Comment maintenez-vous une relation comme celle-là à une si grande échelle pendant des décennies et des décennies?

Vous savez, les gens me l'ont souvent demandé. Parfois, c'est six mois et je ne parle même pas à Berry. Mais quand je le fais, c'est mon meilleur ami, et je suis son meilleur ami. Ce n'est jamais "Laisse-moi te connaître à nouveau, ou te sentir", ou quoi que ce soit d'autre. Il n'y a rien de tout cela qui se passe.

Comme vous l'avez dit, le titre de Gasms n'est pas expressément sexuel. Au contraire, il se réfère à un certain nombre d'expériences époustouflantes. Quelle a été la dernière grande expérience de votre vie ou de votre carrière qui vous a donné un "gasme", pour ainsi dire ?

J'en ai eu tellement. Vous savez, les gaz sont ce qui vous rend heureux et vous fait vous sentir bien. Récemment, j'en ai eu un quand j'ai fait "American Idol", parce que je n'y étais pas allé depuis longtemps. Je faisais partie du deuxième panel de juges lorsque Simon Cowell était là. J'ai eu la chance de voir [juges] Lionel [Richie] et Katy [Perry] et Luke [Bryan], et ce fut une soirée merveilleuse.

J'ai été un mentor; J'ai été juge. "American Idol" est l'un des principaux programmes de talent d'État au monde, c'est donc une bonne chose pour les enfants. Parce qu'avant même qu'ils aient fait un disque ou quelque chose comme ça, dès les premières auditions, être vus par des millions de personnes est une bonne chose pour eux.

Venons-en au rez-de-chaussée de Gasms, lorsque vous avez pris un stylo pour la première fois, passé quelques appels et composé ces chansons. Quelle était l'idée centrale que vous vouliez mettre en avant, musicalement et créativement ?

Controverse.

C'était ça, hein ?

Pour éveiller la curiosité et faire en sorte que les gens se demandent ce que c'était avant même de l'avoir entendu.

Il semble que vous ayez réussi.

Ça a marché. Donc j'en suis très content, mec.

Comment avez-vous sélectionné les accompagnateurs et les producteurs de Gasms ?

La plupart des gars sont des gars avec qui j'ai travaillé tout le temps en studio. Je travaille avec eux depuis des années, donc je n'ai pas eu à les connaître. Le gars principal - mon arrangeur, David Garfield - est un pianiste de jazz bien connu qui fait ses propres albums et des trucs comme ça. Nous nous sommes juste réunis et avons fait les arrangements au studio.

Je suis sûr que vous étiez impatient de revenir au matériel original, aussi merveilleux que les vieilles chansons de Miracles et vos trucs de Noël, et de faire travailler vos muscles de l'écriture de chansons.

J'écris tout le temps, Morgan. C'est quelque chose que je fais juste. Ce n'est pas un effort conscient où je mets de côté du temps pour écrire ou quelque chose comme ça. Ça ne se passe pas comme ça. Pour moi, ça arrive.

Sur quoi travaillez-vous ces derniers temps ?

Eh bien, en même temps que nous travaillions sur l'album Gasms, nous travaillions sur un en espagnol. J'ai deux autres chansons que je dois réenregistrer pour ça. C'est ce que je fais musicalement.

Est-ce une courbe d'apprentissage pour enregistrer dans une autre langue, ou êtes-vous affûté en espagnol ?

J'apprends l'espagnol depuis environ un an. Ma gouvernante est une dame espagnole. Elle vient du Guatemala et parle quatre langues différentes, donc elle m'a vraiment aidé.

Je ne parle pas couramment là où je comprends tout. Je regarde les feuilletons télévisés et les émissions d'information sur Telemundo et des trucs comme ça, essayant de m'améliorer, mais ils parlent si vite. J'essaie de faire passer un mot de temps en temps, puis j'essaie de comprendre ce qu'ils entendaient par le reste.

Mais c'est une super langue, et je l'apprécie beaucoup, donc j'ai aussi essayé d'écrire des chansons en espagnol.

Votre voix est si pure sur Gasms. Parfois, c'est comme si vous n'aviez pas vieilli d'un jour. Comment gardez-vous votre instrument - votre voix - forte au fil des années et des décennies?

Eh bien, tout d'abord, j'apprécie que tu dises ça, mec. Merci beaucoup.

Votre voix est comme votre instrument, et si vous prenez soin de vous, vous avez plus de chances qu'elle dure et qu'elle se porte bien pendant longtemps. Je ne pense pas qu'il y ait de formule secrète - le thé de Lipton au citron et tout ce genre de choses. Je n'ai jamais rien fait de tel.

J'essaie juste de prendre soin de moi. De temps en temps, bien sûr, votre corps s'usera et s'enrouera, parce que vous ne savez pas jouer de votre instrument. Je ne fais rien de spécial.

Quelles sont vos habitudes, ou quel est votre régime, pour garder votre vaisseau physique en forme ?

Je pense que le principal est le yoga. Je fais du yoga depuis environ 40 ans et je le fais presque tous les jours de ma vie. Ensuite, j'ai des programmes d'entraînement que je fais. J'ai un programme d'entraînement d'une demi-heure, puis d'une heure. Chez moi, je fais le monte complet, car je sais tout faire ; J'ai des poids au sous-sol et ainsi de suite.

Quand je suis sur la route, j'ai un régiment de 45 minutes que je fais presque tous les matins, et ça commence par des étirements.

J'apprécie vraiment que vous n'ayez pas ressenti le besoin de réinventer la roue avec Gasms. Les chansons auraient pu être écrites il y a 60 ans ou hier. Qu'en est-il de l'intemporalité des chansons sur l'amour, la romance et la sensualité ?

Eh bien, oui, ils ont tous une connotation ; vous pouvez utiliser vos propres idées sur leur signification. Par exemple, "gasmes". Cela peut signifier tout ce que vous voulez que cela signifie. J'essaie de mettre cette connotation dans chacun d'eux, donc peu importe ce que la personne veut dire, ou qui est l'auditeur, ça peut être ça pour eux.

Smokey Robinson se produisant en 1964. Photo : PoPsie Randolph/Michael Ochs Archives via Getty Images

En parlant de chansons d'amour intemporelles, vous jouez un rôle énorme dans l'ascension des Beatles. Ils vous ont vénéré et vous ont téléporté dans la tête de millions d'enfants via "You Really Got a Hold On Me" sur With the Beatles. Et vous les avez couverts aussi. Cela vous semble-t-il surréaliste de revenir sur votre jeunesse et sur ces enregistrements et de dire que j'ai écrit cela ?

Tu sais, je ne pense plus à ça de nos jours, mec, à moins que quelqu'un n'en parle. Ce n'est pas quelque chose sur quoi je me concentre, ou quelque chose comme ça, mais c'est une chose merveilleuse.

C'était particulièrement merveilleux – à l'époque, ils étaient le groupe numéro un au monde – de choisir une de mes chansons. Ils étaient eux-mêmes de grands auteurs-compositeurs. Donc, choisir une de mes chansons à enregistrer était particulièrement flatteur.

Quels sont vos souvenirs de ces gars?

Oh, c'étaient des mecs cool, mec. Je les avais rencontrés avant qu'ils ne deviennent [ajoute un air d'une signification tonitruante] les Beatles. Nous les avons rencontrés à Liverpool ; ils chantaient dans un petit club au sous-sol. C'étaient de bons gars, et je me suis particulièrement rapproché de George de son vivant, tu vois ? C'était mon ami le plus proche dans ce groupe.

Il t'aimait sûrement. Il n'aurait pas écrit "Pure Smokey" s'il ne l'avait pas fait. Pouvez-vous offrir plus de souvenirs de George?

George était juste un gars formidable, mec. C'était un homme gentil. Il faisait partie de ces personnes que si vous le rencontrez, vous l'appréciez.

Avec Gasms dans le monde, qu'espérez-vous que les gens en retiennent ?

Oh, emportez un peu de plaisir. J'espère qu'ils l'apprécieront avec eux-mêmes, seuls et avec les autres aussi. C'est ce que je veux qu'ils en retiennent. Si je peux accomplir cela, alors je sens que j'ai fait ce que j'avais prévu de faire.

Qu'est-ce qui t'a donné des "gasmes" ces derniers temps ? Qu'est-ce que vous regardez, lisez ou écoutez qui vous a inspiré ?

J'écoute tout le monde, mec.

Je suis un mélomane, donc j'écoute toutes sortes de musique. Surtout quand je suis dans ma voiture, et qu'on ne sait pas dans quelle humeur musicale tu vas me prendre. Il arrive des semaines où je n'écoute que du classique - Chopin et Rachmaninoff et tout ça. Parfois, j'écoute du hip-hop ou du jazz ou de l'alternatif. J'adore la musique, mec.

Quels nouveaux artistes avez-vous découverts ?

Tous, qui font de la musique que je peux entendre à la radio. Je les écoute tous, parce que je continue aussi à faire des disques. Donc, je dois rivaliser avec eux. Je dois savoir ce qu'ils font. Je ne suis pas un auditeur musical avec des préjugés, alors que je pense, OK, ce sont des jeunes, donc je ne vais pas écouter leur musique.

Non, ils sont à l'avant-garde de la musique en ce moment. Alors j'écoute tout le monde.

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Photo: Rebecca Sap

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Nile Rodgers, Jimmy Jam, Smokey Robinson et d'autres donnent un aperçu approfondi de leurs collaborations à succès et de leur processus créatif à l'exposition The Power of Song: A Songwriters Hall of Fame du GRAMMY Museum, ouverte du 26 avril au 4 septembre.

Depuis sa fondation en 1969, le Songwriters Hall of Fame célèbre les grands auteurs-compositeurs et compositeurs de notre époque. En 2010, il a trouvé une maison physique au GRAMMY Museum du centre-ville de Los Angeles.

Maintenant, le GRAMMY Museum ajoute à cet héritage avec une exposition spéciale élargie, qui plonge profondément dans l'histoire de l'écriture de chansons et de la musique enregistrée aux États-Unis - ainsi que le Songwriters Hall of Fame et le rôle de ses intronisés. Que vous soyez un auteur-compositeur ou un musicien qui aime le processus créatif, un passionné d'histoire ou simplement un mélomane, cette exposition est pour vous.

Lorsque vous entrez dans The Power Of Song, vous entendrez les voix des légendaires intronisés au Songwriter Hall of Fame et des gagnants des GRAMMY - dont Nile Rodgers, Carole King, Diane Warren, Smokey Robinson et Jimmy Jam - discuter de leur processus créatif et de certains des plus grands chansons qu'ils ont écrites. Prenez place sur le canapé pour absorber toute leur sagesse dans le court métrage original profondément informatif et inspirant.

Tournez à droite et vous trouverez une chronologie sur tout le mur, expliquant les origines et les points clés de l'écriture de chansons et de la musique enregistrée aux États-Unis. Sur l'autre mur, mettez les écouteurs fournis pour profiter d'une vidéo mémorable du Hall of Fame. spectacles de cérémonie. Une interface vidéo interactive près de l'entrée vous permet d'entendre les « extraits des chansons » et une autre vous permet d'explorer l'intégralité de la base de données Songwriters Hall of Fame.

L'exposition est remplie d'un trésor de paroles de chansons manuscrites de Taylor Swift, Cyndi Lauper, Tom Petty et bien d'autres, ainsi que d'artefacts emblématiques, notamment les casques de Daft Punk, un look chic Nile Rodgers GRAMMY et des guitares de Bill Withers, Tom Petty, John Mellencamp et Toby Keith.

Ci-dessous, jetez un œil à cinq choses que nous avons apprises de The Power Of Song: A Songwriters Hall Of Fame Exhibit, qui sera au GRAMMY Museum du 26 avril au 4 septembre.

Le légendaire pionnier du funk et superproducteur Nile Rodgers est l'actuel président du SHOF et a une présence active à l'exposition. L'un des étuis présente le smoking Dior vert citron disco que Rodgers portait aux GRAMMY Awards 2023, ainsi que les casques métalliques brillants du duo de danse français Daft Punk, qui a collaboré avec Rodgers sur leur album primé aux GRAMMY 2013, Random Access Memories.

Thomas Bangalter et Guy-Manuel de Homem-Christo de Daft Punk et Rodgers avaient noué une amitié et voulaient collaborer pendant des années avant le succès du record de l'année 2013 "Get Lucky". Quand ils se sont finalement connectés et que Bangalter et de Homem-Christo ont joué au fondateur de CHIC la démo de "Get Lucky", il a demandé à l'entendre à nouveau avec tout en sourdine sauf la piste de batterie, afin qu'il puisse créer le léchage de guitare parfait pour cela.

Bangalter et de Homem-Christo ont décidé de réenregistrer essentiellement la chanson entière pour l'adapter à la guitare de Rodgers, qui conduit joyeusement la piste – et l'a portée au n ° 2 du Billboard Hot 100, le premier hit du Top 5 de Daft Punk.

Photo:Rebecca Sapp

Dans le film de l'exposition, Jimmy Jam raconte plusieurs histoires sur le fait de travailler avec - et d'apprendre de - Prince. Il se souvient comment lui et Terry Lewis ont regardé Prince travailler et tout enregistrer "dans le rouge", alors ils ont installé leur studio de Minneapolis pour suivre son exemple. Un ingénieur du son leur a dit que c'était trop fort, mais c'est finalement le son pour lequel des artistes comme Janet Jackson et Usher sont venus vers eux. Ce fut une "heureuse erreur", comme l'a dit Jam, qui a aidé leur carrière légendaire en tant que duo de production puissant à décoller.

L'éthique de travail dogmatique et infatigable de Prince a également déteint sur la paire puissante. Lors d'une répétition, le Purple One a continué à appuyer sur Jam pour en faire plus, ce qui l'a amené à jouer de deux instruments, à chanter et à frapper la chorégraphie derrière son clavier. "Il a vu que je pouvais faire plus que je ne le pensais; il m'a mieux vu que je ne me suis vu moi-même", a-t-il déclaré.

Au cours de ses 50 ans de carrière, Irving Berlin a écrit plus de 1000 chansons, dont beaucoup ont défini la musique populaire américaine pendant la majeure partie du XXe siècle. En plus d'avoir écrit "God Bless America", "White Christmas", "Puttin' on the Ritz" et "There's No Business Like Show Business" (parmi de nombreux autres classiques), il a écrit 17 partitions musicales complètes de Broadway et contribué des chansons à six plus de jeux.

Berlin a également écrit des partitions pour les premières comédies musicales hollywoodiennes mettant en vedette Ginger Rodgers, Fred Astaire, Marilyn Monroe et Bing Crosby. Il a laissé une marque durable et indélébile sur la musique, le théâtre, le cinéma et la culture américaine au sens large.

Assez étonnamment, le célèbre compositeur américain de l'époque de Tin Pan Alley était autodidacte et ne lisait pas de partitions. Sa famille a immigré à New York de la Russie impériale quand il avait 5 ans, et quand il n'avait que 13 ans, son père est mort, alors il a fait la rue dans la rue et a travaillé comme serveur chanteur pour aider sa famille.

En 1907, à 19 ans, il publie sa première chanson et, quatre ans plus tard, il écrit son premier tube international, "Alexander's Ragtime Band". Berlin avait une musicalité naturelle et jouait de la musique à l'oreille dans la tonalité de fa dièse, avec l'aide de son fidèle piano droit transpositeur, un instrument rare qui avait un mécanisme lui permettant de passer à différentes tonalités. Son "trick piano", comme il l'appelait, où bon nombre de ses chansons inoubliables ont vu le jour, est exposé dans l'exposition.

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Smokey Robinson était une partie importante de l'usine à succès de Motown en tant que chanteur, auteur-compositeur et producteur. Dans le film de l'exposition, il parle de "My Girl", l'un de ses airs classiques, qu'il a écrit et produit pour les Temptations en 1965.

"Je n'avais aucune idée que cela deviendrait ce que cela deviendrait", a-t-il déclaré.

Il dit que les gens lui demandent souvent pourquoi il n'a pas enregistré la chanson inoubliable avec son groupe les Miracles au lieu de "la donner" aux Temptations, mais il n'a jamais regretté sa décision. Au lieu de cela, il est honoré d'avoir créé une musique qui résiste à l'épreuve du temps et signifie tant pour tant de gens.

Robinson a plaisanté en disant que la voix bourrue du chanteur des Temptations, David Ruffin, avait effrayé les filles pour qu'elles sortent avec lui. Vraiment, il adorait la voix de Ruffin et pensait qu'il sonnerait bien en chantant une douce chanson d'amour comme "My Girl". Sûr de dire qu'il avait raison.

Avant la Seconde Guerre mondiale, la musique américaine fonctionnait comme un marché grand public singulier, et les auteurs-compositeurs de Tin Pan Alley de New York se sont affrontés pour faire le prochain hit pop ou de Broadway. Dans une Amérique de l'après-Seconde Guerre mondiale, en particulier lorsque la première génération de baby-boomers est devenue adolescente et jeune adulte dans les années 60 et 70, les goûts ont changé et de nouveaux styles d'écriture de chansons pop et pop ont émergé. Alors que le rock bouleversait la culture populaire, Tin Pan Alley a cédé la place à une nouvelle ère de jeunes auteurs-compositeurs, dont beaucoup travaillaient dans seulement deux bâtiments du centre de Manhattan, le 1619 Broadway (le Brill Building) et le 1650 Broadway.

Dans cet environnement richement créatif et collaboratif, des duos d'auteurs-compositeurs puissants ont commencé à émerger et à remodeler la musique pop, se défiant et s'équilibrant - et créant une tonne de succès dans le processus. Les duos à succès de cette ère pop diversifiée comprenaient Burt Bacharach et Hal David ( " That's What Friends Are For " de Dionne Warrick ), Carole King et Gerry Goffin ( " The Loco-Motion " de Little Eva ), Barry Mann et Cynthia Weil ( "You've Lost That Lovin' Feelin'") des Righteous Brothers et Jeff Barry et Ellie Greenwich ("Be My Baby" des Ronettes et "Then He Kissed Me" des Crystals, tous deux en collaboration avec Phil Spector). En fait, il y a beaucoup trop de classiques écrits par ces quatre duos d'auteurs-compositeurs prolifiques pour les énumérer ici.

Bien qu'il y ait encore des auteurs-compositeurs qui écrivent gros succès après succès pour les stars de la pop (Max Martin y est toujours, tout comme son protégé Oscar Görres), la dynamique de l'industrie a continué de changer, les chanteurs prenant eux-mêmes plus de pouvoir créatif. Les stars de la pop d'aujourd'hui - dont Ariana Grande, Dua Lipa et Taylor Swift - ont trouvé le succès en co-écrivant avec leurs propres équipes de confiance d'auteurs-compositeurs et de producteurs. Mais comme le montre cette nouvelle exposition, peu importe qui est derrière l'enclos, le pouvoir de la chanson est puissant.

Rencontrez Tobias Jesso Jr., le tout premier gagnant d'un GRAMMY pour l'auteur-compositeur de l'année